Carlos Enrique Peña Aldana (Carlitos Peña).

Carlos Enrique Peña Aldana (nacido el 9 de enero de 1988 en Ciudad de Guatemala, Guatemala), es el ganador de la segunda temporada del reality show Latin American Idol transmitido por Sony Entertainment Television de Latinoamérica. actualmente graba su primer disco con la compañia disquera sony BMG.

Es la segunda ocasión que participa en Latin American Idol, Carlos practicó el arte de cantar desde muy pequeño, compitió en las Olimpiadas Mundiales de las Artes y ganó como compositor e intérprete.

Antes de ser uno de los clasificados en el programa de televisión, estudiaba canto en el Instituto Angélica Rosa en su país natal, formó un dúo junto a Juan Fernando Herrera con quien acostumbraba tocar la guitarra y componer canciones de estilo romántico.

Fuera de su vida musical a Carlos le gusta practicar deportes como el tenis y el fútbol, logrando ser seleccionado de la liga menor del Club Social y Deportivo Municipal en Guatemala. Carlos Peña apoya a los niños con el Sindrome de Down en Guatemala.

En su primera producción, lanzada en diciembre de 2007, se incluyeron algunas de sus interpretaciones en el programa de televisión, junto a otras de sus canciones favoritas, el mismo obtuvo el status de Cuádruple Platino por su nivel de ventas en Centroamérica, en la actualidad se encuentra promocionando su segundo disco llamado “Aquí estoy”, el cual tiene 10 temas de su autoría y del que se desprende el sencillo “Desesperadamente” el cual se estrenó en radios el 15 de enero de 2009, el videoclip ha hecho lo propio en canales internacionales de programación musical (el mismo fue filmado en Guatemala en formato 35 milímetros); el sencillo fue presentado en la final de la tercera temporada de Latin American Idol, el Compacto será lanzado en Estados Unidos de América y Latinoamérica según el propio artista tiene planes de editar simultánea y adicionalmente otro disco en inglés que incluirá temas de “Aquí estoy” pero en dicho idioma y agregarán cinco canciones inéditas más para tener un plus, esto para el 2009. El segundo sencillo desprendido del compacto es “Te extraño”, lanzado en mayo de 2009.

Todos los trabajos discográficos bajo el sello Sony Music; el segundo compacto fue grabado y mezclado en el estudio Sonic Ranch, en Texas, EE.UU. y en Sony recording studio por ingeniero de audio Fabrizio Simoncioni, conocido por sus colaboraciones con artistas como Lenny Kravitz, Madonna, Metallica y Michael Jackson. En la producción contiene temas compuestos por Carlos Peña y su hermano Hugo Peña Jr. resalta la mezcla de géneros pop-rock, con influencias orgánicas latinas., el mismo salió al mercado en marzo de 2009 y se ha colocado como uno de los discos más vendidos en Centro América según el portal de Prensa Libre

Fue uno de los 12 seleccionados de 27 mil cantantes de todo el Continente que audicionaron para participar en el programa, y fue criticado desde los inicios por su peinado, sin embargo, no le hizo cambios mayores aduciendo que era su estilo. Fue el único participante quien nunca estuvo en riesgo de ser eliminado, ya que jamás se encontró entre los menos votados. La noche del 20 de septiembre de 2007 clasificó entre los dos participantes para disputar la final del concurso junto a Ricardo Caballero Tostado de México, esa misma noche Rosangela Abreu de Puerto Rico fue eliminada según la votación de los televidentes.

El 27 de septiembre de 2007 Carlos Peña fue declarado ganador del Latin American Idol al recibir la mayor cantidad de votos por parte del público en la final de este Reality Show, lo que le hizo acreedor a un contrato con la disquera Sony BMG para grabar su primer álbum, tal como sucedió con Mayré Martínez quien fue la ganadora de la primera temporada del programa.

Álbumes

* Aquí estoy – (2009):
1. Intro
2. Dime tú
3. Desesperadamente – sencillo
4. Torera
5. Puedo
6. Te pregunto
7. Aquí estoy
8. Tú, solo tú
9. Sí es amor
10. Te extraño – sencillo
11. Todo está bien

* Con una Canción – (2007):
1. Con una Canción – (2007) – sencillo
2. Lamento Boliviano
3. Bésame
4. Escuchame
5. Cada Palabra
6. Sería Fácil
7. Qué precio tiene el cielo
8. La cosa más bella
9. Usted se Me llevó la vida
10. Luna de Xelaju

Galardones

• El Gobierno de Guatemala durante el período del Presidente Óscar Berger le otorgó el título de “Embajador de la Paz” en acto celebrado en el Palacio Nacional de la Cultura, que anteriormente fue la sede de Gobierno. El título fue una distinción en reconocimiento a los logros de Carlos Peña, quien se indicó es un modelo de inspiración a seguir por la juventud de Guatemala y Centro América.
• El Congreso de la República de Guatemala por medio del Acuerdo Legislativo 32-2007 le felicitó como reconocimiento a su talento artístico y orgullo de los guatemaltecos.
• El Consejo Municipal de la Ciudad de Guatemala en sesión ordinaria celebrada miércoles veintiséis de septiembre de 2007, punto 7º. del Acta No. 110, le otorgó la Orden “José Eulalio Samayoa” a Carlos Enrique Peña Aldana, por su destacada participación a nivel internacional como intérprete, logrando con su talento artístico unir a todos los guatemaltecos.
• El Instituto guatemalteco de Turismo (INGUAT) le otorgó en septiembre de 2007 el título de “Embajador de Guatemala ante el mundo”.
• Nominado, en primera fase, en cuatro categorías en los premios “Orgullosamente Latino” otorgados por el canal de televisión mexicano “Ritmoson” para 2009, siendo estas: “Solista Masculino del Año”, “Disco Latino del Año”, “Video Latino del Año”, “Canción Latina del Año” en las últimas tres con el tema “Con una canción” de su primer trabajo.

Domingo Betancourt Mazariegos.

Nació en Quetzaltenango el 20 de diciembre de 1906. Aprendió a tocar la marimba desde los 5 años de edad.

A los 15 años ya acompañaba en sus giras de trabajo a su padre, Francisco Román Bethancourt, quien era propietario del conjunto Dos de Octubre, en donde suplía a cualquiera de los marimbistas que hiciera falta.

Para la inauguración del Ferrocarril de los Altos, Mingo (como le decían a Domingo Bethancourt) compuso una melodía con ese nombre, de tan grande éxito, que muy pronto fue grabada en Estados Unidos por la marimba Centroamericana.

En 1932 Mingo organizó su propio conjunto marimbistico con el nombre de Marimba Ideal, exclusivo de la Radio Morse (hoy TGQ), donde actuó por 12 años consecutivos.

Con el conjunto de la Quinta Zona Militar viajó por Cuba y los Estados Unidos, cosechando innumerables triunfos al dar a conocer parte de su repertorio.

Domingo Bethancourt fue uno de los más fecundos compositores de música ligera con que cuenta Guatemala. Recibió distintos homenajes, entre otros: el gobierno de Guatemala le otorgó la Orden del Quetzal en el grado de Comendador y la Casa de la Cultura de Quetzaltenango le otorgó el Botón de Oro.

Entre sus obras se pueden citar las melodías Callecita de los Alamos; Silba, zapatero; Antonieta; Verónica; Muchachas genovenses; Aguacatán; San Francisco Zapotitlán; El tiempo todo lo borra; Cobán; La Matraquita; Querido Rinconcito; Xelajú de mis recuerdos; Brisas del Salamá; El Cacique dormido, y Santiaguito.

Después de una seria enfermedad falleció en su tierra natal el 29 de febrero de 1980.

Guillermo de León Ruíz.

Durante cuatro décadas De León ha compuesto aproximadamente 285 melodías entre cumbias, baladas, boleros, danzones, guarimbas, valses, sones, merengues y otros ritmos, es director y propietario de la marimba Estrella de Guatemala desde 1998, forma parte de la marimba del Instituto Guatemalteco de Turismo y fue director de la marimba Ecos Chapines entre 1978 y 1988.   De Teclas Morenas, entre 1988 y 1998.

Ha coordinado grandes eventos de ensambles de marimbas  para la Fundación Paiz.

Algunas melodías de su autoría son: Bailando con la Llorona (1976), En Cuilco me enamoré (1982), Sierrita (1981), Delicias Katok, La cumbia de los barrios (1999). Su primera composición la hizo cuando tenía 16 años y fue el paso doble Mi Coatepeque.

Las Chancletas de Nayo Capero:

Una de las melodías más populares de la década de 1980, nació de un “chispazo” que tuvo el compositor Guillermo De León, durante un concierto vespertino en el famoso restaurante El Zócalo, en la 18 calle de la zona 1 capitalina. El motivo de su inspiración fue el marimbista Bernardo Enríquez, quien fue integrante de varios conjuntos famosos de ese tiempo.

Durante varios años, Las chancletas de Nayo Capero “son de hule, no son de cuero” fue una de las cumbias consentidas de las radioemisoras y favorita durante los bailes. Gustó tanto que, según su autor, hace unos ocho años un funcionario guatemalteco le contó que la escuchó en México, en la voz del cantante Ceferino Nandayapa, con el nombre de Las chancletas de Nayo Chapero. Al final del concierto le explicaron al artista azteca que la composición era guatemalteca.

Por una broma:

En esos años, la marimba Alma de Guatemala, de la cual De León era integrante, amenizaba en un restaurante de las 13 horas a la una de la mañana. Un día, Enríquez llegó a pedirles unas monedas para “echarse un trago”, a lo cual accedieron los músicos. A eso de las 15 horas regresó, pero en estado de ebriedad y no traía zapatos —acostumbraba vender sus objetos cuando bebía—, sino un par de chancletas de hule, una de las cuales dejó tirada cuando subía las gradas.

Al nada más verlo, José Avendaño, integrante de la marimba, codeó a Guillermo y le susurró “mirá vos, se le cayo una chancleta a Capero —lo apodaban así porque de joven fabricaba capas de hule—, componele algo”. A manera de broma, el músico principió a tararear unas frases acompañadas de marimba. En 10 minutos ya estaba compuesta la melodía, y al otro día solo le hizo unos arreglos y quedó listo el éxito musical.

Al principio fue grabada solo en marimba por Ecos Chapines y Sonora Quetzal; luego, ya con letra, por la India Maya y la Picante de Guatemala. El éxito dio la pauta para que las radioemisoras Ciros y La voz de las Américas le otorgaran al artista, que reside en la colonia Justo Rufino Barrios, La Dama de Plata, como compositor destacado del año.

Willie González.

Sus comienzos en la música datan desde que contaba con 15 años de edad, donde se destaca tocando el trombón. Más tarde comienza su preparación y desarrollo en las facetas de compositor y vocalista.

Sus primeras participaciones fueron con la Orquesta Saraguey, la cual estuvo bajo su dirección. Aquí compartió sus primeros pasos junto a Eddie Santiago, donde ambos eran los cantantes principales.

Luego, pasa a formar parte del Conjunto Chaney donde el tema “Paso la vida Pensando” ocupó los primeros lugares de preferencia. En esta agrupación Willie González y Eddie Santiago fueron las voces principales. Ya en el año 1988, acompañado de la Orquesta “Noche Sensual” se lanza como solista para el Sello Sonotone, entrando en la línea “erótica” o “sensual” que predominaba para ese entonces. La producción llevó el nombre de “Willie González, Original y Único”, la cual alcanzó las 100,000 copias. Obtuvo Disco de Platino y Premios Diplo, entre otros, por temas “Amor Pirata”, “Hazme Olvidarla”, y “Quiero Morir en tu Piel”.

Al colocarse entre los primeros exponentes de la salsa romántica grabó en el 1990 su segunda producción “Willie González, Sin Comparación”, bajo el Sello MP, que incluyó los éxitos “Seda”, “No “Podrás Escapar de Mí, “Vuelve”, y “Ese Soy Yo”. Para el año 1992, graba el álbum “Para Usted, el Público” logrando colocar como éxitos los temas “He Vuelto”, y “Ese Soy Yo”. Esta producción incluye dos temas de su autoría.

En el año 1994 graba su cuarta producción bajo MP titulada “Justo a Tiempo”, donde se destacan los temas “Pequeñas Cosas”, “Esa”, “Si Supieras” y “Tanto Amor”.

Su quinta producción “Hacia un Nuevo Camino”, grabada en el año 1995, también bajo el Sello MP, contiene los temas “Pobre Tonto”, “Tan Solo”, y “Quiero Recuperarte”, entre otros.

También cuenta con los trabajos musicales “Éxitos de Willie González, Volumen I y II”.

En el año 2000, graba “Sensualmente a mi Estilo”, bajo el Sello World Music. Dicha producción consta de 10 temas, tres de ellos de su autoría. Entre los temas se destacan “Como Son las Cosas”, “No Me Dejes”, “No Puede Estar Sin Tí” y “Convéncela”.

Su trayectoria musical se ha hecho sentir en países como Europa, Estados Unidos, México, Venezuela, Colombia, Panamá, Perú, Ecuador y Santo Domingo, donde actualmente, sigue cosechando éxitos con sus presentaciones.

Ahora, regresa un Willie González, renovado musicalmente, aunque en la misma línea romántica y sensual que lo caracteriza pero con más “swing” y sabor para el público bailador. Nuevamente, de regreso a su antigua casa discográfica Musical Productions y de la mano del maestro Julio “Gunda” Merced, este talentoso artista nos presenta su sexta producción titulada “WILLIE GONZALEZ, REENCUENTROS”.

Esta producción contiene ocho temas, entre los cuales se destacan dos a dúo con el reconocido intérprete Eddie Santiago, quien funge como su artista invitado en los temas “Por Esa Mujer” y “Solamente Ella”. Otros temas incluidos en esta producción son “Cuando Pienses en Mí”, Un Amor como el Nuestro”, Eres Todo y Mucho Más”, “Irremediablemente”, “Recuerda que Siempre te Quiero”, “Ámame toda la Noche”. Temas de la autoría de Alejandro Montalván, Jorge Luis Borrego, Ricardo Vizuete, Pedro Arroyo y Julio “Gunda” Merced forman parte de esta excelente producción, grabada en los Estudios de Musical Productions, Puerto Rico.

Entre los músicos se destacan Luisito Marín, William “Cachiro” Thompson, Pedrito Pérez, Rafy Torres, Toñito Vázquez, Pichie Pérez, Tito de Gracia, Alberto Machuca, Jorge Díaz y Elliud Cintrón. Los coros cuentan con las excelentes voces de Papo Sánchez, Nino Segarra, Tito Allen, José Ernesto y Darvel García.

Willie González, gran cantante, compositor y músico.

Virgilio Gumercindo Palacios Flores.

Nació en Huehuetenango el 9 de julio de 1904, principio a ejecutar marimba en el conjunto “Las Chorchas”, de donde pasó a la marimba “Andina” que dirigió Eliseo Castillo, más tarde formo el conjunto “Rio Blanco” de los hermanos Palacios, cuyo instrumento fúe hecho por su hermano Leando en el Estado de Chiapas, México, cuando se encontraban en el exilio a raiz de la caida del Unionismo.

Recibió clases de solfeo con el maestro Jesús Tánchez, y cuando comenzaron a introducir el saxofón a la marimba, tanto Gumercindo Palacios como su cuñado Emilio García (otro eximio marimbista y compositor), aprendieron a ejecutarlo por su propio esfuerzo; es decir, sin maestro.

Al retornar de aquel exilio, y actuando en el conjunto “Río Blanco” , se enamoró de María Soledad Chávez, con quien contrajo matrimonio procreando numerosa familia, a saber: Aura Marina, Rocael Anibal, Leonel Armando, Gumercindo, Nora Zilda, Miriam Sonia, Negma Vitalia, Rosa María y Juan Francisco.

Precisamente para su esposa compuso el vals “Soledad”. Más tarde compuso Lágrimas de Telma, conocida e interpretada en todos los ámbitos del país. A su hija primogénita dedicó el blues “Aura Marina”. Seguidamente compuso la bella melodía “Flor de Luz”, con la cual ganó el premio, pergamino, medalla de plata y premio en efectivo en certamen musical en la ciudad de San Marcos.

Aproximadamente en 1935, se promocionó un concurso de la canción, en la que participaron los compositores de esa época, ganando el compositor Palacios Flores el primer y segundo lugar con las melodías “Lágrimas de Telma” y “Soledad” respectivamente.
En 1950 compuso la melodía “Olímpico” dedicada al equipo femenino de basket ball en el cual participaba su hija Nora Zilda, melodía considerada como el himno de las olimpiadas ese año, realizadas en la ciudad capital.

Después compuso la bella melodía “Migdalia Azucena” dedicada con toda la sutileza de su ser a su primera nieta muy amada. Esta melodía que ha sido grabada por varias marimbas del país ganó primer lugar en el Festival de la Canción Sur-Occidental de San Marcos , en Julio de 1981, y ganó tercer lugar en la ciudad capital a nivel nacional, en el Tercer Festival de La Canción Nacional.

Entre su repertorio están: “Norita Twist”, “El Trompudo”, “Miriam Sonia”, “Negma Vitalia”, “Rosita”, “Mayra Luz”, “Florecita”, “Nora Zilda”, “Andy”, “Bodas de Oro”, “INGUAT”, “Mi Amiga La LLorona”, “Paty”, “Jenny”, “Huehuetecos”, “Elsy”, “Los Jorges” (dedicado a los eminentes médicos que rescataron su salud en un estado de suma gravedad), “Bety”, “Muchachas Pelirrojas”, etc.

Fue homenajeado en varias oportunidades, sobresaliendo la orden de los Cuchumatanes que le otorgo el magisterio huehueteco, medalla de AGAYC (Asociacion Guatemalteca de Autores y Compositores), reconocimiento del gobierno en el Teatro Nacional, etc.

El gobierno de la República le otorgó una pensión vitalicia.

El compositor Gumercindo Palacios Flores falleció el 21 de diciembre de 1986, a la edad de 82 años, dejando a la posteridad un caudal de fecunda inspiración musical. El gobierno Central decretó tres días de duelo nacional, dos días de duelo local por parte de Gobernación Departamental.

Cheo Feliciano.

José “Cheo” Feliciano nació el 3 de Julio de 1935 y dió sus primeros pasos en firme en el campo de la música como estudiante de la Escuela de Música Libre en su nativa Ponce, Puerto Rico. A la edad de 17, se trasladó con su familia a Nueva York donde empezó su carrera profesional como percusionista con un grupo llamado “Ciro Rimac’s Review”.

Pasó luego a trabajar con la orquesta de Tito Rodriguez, después como conguero con el Conjunto Marianaxi dirigido por el maestro Luis Cruz, y como percusionista con la orquestra de “Kako y su Trabuco”. Por recomendación de Tito Rodriguez, Feliciano hizo una audición y obtuvo un trabajo con el Sexteto de Joe Cuba como vocalista. Con Joe Cuba obtuvo sus primeros éxitos en la radio. Temas como “A las seis”, “El ratón”, “Como ríen” y “El pito”, marcaron su paso por el famoso combo Cubano; por un tiempo hizo una breve aparición con la orquesta de Eddie Palmieri.

Al final de los años 60, Cheo decidió interrumpir su carrera en protesta por la guerra no declarada de los Estados-Unidos contra Vietnam. Después de un retiro de tres años, su carrera se reactivó con una grabación histórica titulada Cheo. Rompiendo todos los records de ventas, con el sello Vaya, se anotó éxitos con sus canciones “Anacaona”, “Mi triste problema”, “Pa’ que afinquen” y “Si por mí llueve”. Recibió numerosos premios por su esfuerzo, incluyendo el Front Page Award (Premio Primera Plana) del diario New York Daily News.

De sus años de grabación con el sello Fania se produjeron éxitos como “Juguete”, “Salomé”, “Los entierros de mi gente pobre” y “Juan Albañil”. Tambien formó parte del elenco de la primera opera salsa “Hommy”. En los anõs 80, Cheo lanzó su propia compañia de producción de discos: Coche Records. Al entrar a la decada del 90 realizó varios proyectos importantes, incluyendose dos álbums con la Rondalla Venezolana y su trabajo en Cuba, del que editó el compacto: “Cheo en Cuba”.

A fines de 1999, Cheo editó una remarcable producción titulada “Una voz, Mil Recuerdos”. En este trabajo, Cheo Feliciano rinde homenaje a figuras de la música como Tito Rodríguez, Ismael Rivera, Frankie Ruíz, Mon Rivera, Gilberto Monroig y Santitos Colón, entre otros. El álbum fué escogido como uno de los veinte mejores en 1999 por la Fundación Nacional de la Cultura Popular, por canciones como Camionero.

El Gran Combo de Puerto Rico – La Universidad de la Salsa –

Esta institución musical conocida como El Gran Combo de Puerto Rico surge tras la ruptura del Combo de Rafael Cortijo en 1962, se reunen Rafael Ithier, Eddie Perez, Hector Santos, Rogelio (Kito) Velez, Martín Quiñones, Miguel Cruz y Roberto Rohena con Rafael Alvarez Guedes con el propósito de formar un grupo que acompañaría a un cantante dominicano de nombre Joseito Mateo en una grabación para su sello GEMA. Fue el propio Alvarez Guedes quien “bautiza” el grupo como EL GRAN COMBO. Esa primera grabación llevó por título “Menéame los Mangos” – El GranCombo con Joseito Mateo.  Se escoge a Rafael Ithier como director.  Buscando un sonido y una imagen que los identificara, son incorporados al grupo Milton Correa. Mickey Duchesne, Pellin Rodriguez, Chiqui Rivera y Paleco como “band boy”.

Tras un comienzo tormentoso, la calidad de sus músicos les abrió puertas en la emisora WIAC donde iniciaron un programa radial junto a Fidel Cabrera. Poco a poco se fueron dando a conocer en los hogares puertorriqueños y el 26 de mayo de ese año hicieron su primera presentación pública en el salón Rock and Roll de Bayamón. Luego pasaron a WKAQ con Turín Llamas, donde se fraguó su debut ante las cámaras de televisión en “La Taberna India”. Posteriormente debutan en el Hotel La Concha, casualmente alternando en un baile homenaje en honor a Rafael Cortijo.

Dos días antes del asesinato del presidente John F. Kennedy, salió al mercado la primera producción discográfica del grupo, “Acángana”. El luto se apoderó del pueblo puertorriqueño y los productores del disco, los hermanos Alvarez Guedes, detuvieron la distribución en la Isla y enviaron la grabación a Panamá, Venezuela y México, donde sonó con fuerza en los distintos medios de la época. Luego llegó a Nueva York y finalmente a Puerto Rico, donde fue acreedor de su primer Disco de Oro.

En Puerto Rico siguen deleitando al público con su ritmo y sonido peculiar que poco a poco habia ganado tantos admiradores y logran un contrato de exclusividad para televisión en “EL SHOW DE LAS 12:00″ bajo la producción de Paquito Cordero. Pero como todo en exceso es perjudicial, la demanda por el grupo merma ya que para los fanáticos era muy fácil ver a sus idolos y escuchar sus exitos cómodamente sentados en su hogar.  Por tal motivo, las ventas de sus discos bajan y ya no eran contratados para amenizar algun baile con la frecuencia y la fuerza de antes. A pesar de todo esto, en 1967 reciben su segundo Disco de Oro por la grabación “BOOGALOO CON EL GRAN COMBO”. Cabe destacar que para esa fecha ya habian grabado12 L.P.’s.   En 1971 se incorpora un nuevo instrumento: El Trombón; haciendo así entrada, Epifanio Ceballo (Fanny), el cual permanece por espacio de veinte (20) años y quien fallece de cancer en 1991, siendo integrante activo del grupo. En ese mismo año (1971) graban el disco donde estrenan su nuevo sonido: ” De Punta a Punta”, donde se destacan éxitos tales como “Don Goyo”, “Achilipú”, “Le Dicen Papá”, y otros.

Record World Magazine los premia como EL COMBO DEL AñO en 1972, cuando también ganaron el Festival del Disco de Oro en Miami. En 1973 sale del grupo Pellin Rodriguez para lanzarse como solista.  Es cuando entra al grupo Charlie Aponte quien encaja perfectamente con el sonido de la agrupación y perfilandose como una voz que identificaría al grupo por muchos años.  Continúan acumulando premios y para esta fecha ganan el Festival de Orquestas de Venezuela. La lista de ciudades que los aclamaban continúa ampliándose y es aquí, cuando picado un poquito por los celos patrióticos, Mariano Artau decide bautizarlos como LOS MULATOS DEL SABOR, EL GRAN COMBO DE PUERTO RICO.  En 1976, son honrados al ser declarados “Ciudadanos Honorarios de Nueva Orleans”.

La década cerró con otros galardones importantes, entre ellos un reconocimiento otorgado por la corporación organizadora del Festival de Bomba y Plena del Instituto de Cultura Puertorriqueña. Y estrenan la nueva década con un Disco de Oro por el álbum “Aquí no se sienta nadie”; así como un viaje a Perú que los colmó de gloria en el país andino. El próximo año reciben el Calendario de Plata en México, un mercado difícil de conquistar.

Al cumplir 20 años, El Gran Combo recibió múltiples reconocimientos nacionales e internacionales, entre los que se destacaron “El Congo de Oro” de Colombia, una Resolución del Senado de Puerto Rico y otra del pueblo de Dorado, así como un Premio Paoli. Dos años más tarde probaron ser “La Universidad de la Salsa”, al llevar su música a las frías tierras de Alaska, donde encendieron el ambiente con el calor de su ritmo. Honran la visita con la grabación del disco “Breaking the Ice – El Gran Combo en Alaska” nominado para un Premio Grammy. Ese año ganan otro Premio Paoli y la radioemisora Z-93 le dedica el Primer Día Nacional de la Salsa a Rafael Ithier. Ya para entonces El Gran Combo había conquistado países como Inglaterra, Alemania, Holanda, Suiza, España, Argentina, Venezuela, Japón y todos los Estados Unidos.

En 1982 se presentaron en un concierto histórico en el Madison Square Garden, donde celebraron su Aniversario de Plata ante un abarrotado público que entonaba de pie “Feliz cumpleaños”. Otros homenajes no se hicieron esperar e igualmente recibieron “El Guayaquil Luminoso” de Ecuador, el “Premio Aplausos a la Mejor Orquesta”, una Resolución de la Cámara de Representantes de Puerto Rico, otra de Bayamón y una proclama del pueblo de Juncos, entre otras. Cinco años más tarde celebraron a todo dar sus 30 años como embajadores de la alegría, iniciando las festividades con un juego de softball con estrellas actuales y legendarias del baseball de Grandes Ligas y artistas invitados, entre éstos, Víctor Pellot Power, Rubén Sierra y Gilberto Santa Rosa.

Los homenajes continuaron en Madrid, donde celebraron en grande y recibieron amplia cobertura en los diarios. A su regreso el Senado de Puerto Rico les rindió un homenaje y los nombró en su Resolución “Embajadores de Nuestra Música”. Pero la actividad cumbre de pueblo se celebró en el estadio Hiram Bithorn ante más de 30 mil fanáticos que disfrutaron la historia musical de nuestros “Mulatos del Sabor”, en unión de Andy Montañez, Gilberto Santa Rosa, Jerry Rivera, Alex D’Castro, Johnny Ventura y La Sonora Ponceña. Dos meses más tarde se le rindió otro homenaje organizado por sus esposas en la sede del Centro de Convenciones del gobierno de Puerto Rico. Entre tantos premios y distinciones, sus integrantes consideran que el mejor de todos ha sido el respeto, respaldo y el aplauso de su público.

En 2002 la agrupación salsera celebró sus 40 años de fundación con dos conciertos masivos en el Coliseo Rubén Rodríguez de Bayamón. La producción dio paso al lanzamiento de un disco compacto que se distinguió como uno de los más sobresalientes del año, según la Fundación Nacional para la Cultura Popular.

Un año más tarde, la Academia de las Artes y Ciencias de la Grabación en los Estados Unidos reconoció la producción otorgándole un premio Grammy en la categoría de disco tropical.

Hoy dia, esta veterana institución de la Salsa nos brinda 47 años de buena música con una intachable carrera de respeto y seriedad en lo que mejor saben hacer, llevarle al pueblo la alegría a través de su música.

En la actualidad El Gran Combo de Puerto Rico está compuesto por Rafael Ithier (director musical, piano), Charlie Aponte, Jerry Rivas y Papo Rosario (cantantes); Taty Maldonado (trompeta); Víctor Rodríguez y Moisés Nogueras (trombón); Freddie Miranda (saxofón), Eddie Pérez (saxofón alto); Freddie Riavera (bajo); Miguel Torres (congas); Domingo Santos (timbales) y Richie Bastar (bongó).

José Ernesto Monzón (El cantor del paisaje)

Es a la fecha el compositor más importante que Guatemala ha dado, es el único que le canto ha cada uno de los rincones del país, a través de sus canciones se puede hacer un recorrido turístico por el paisaje, por su gente, sus costumbres, basta con escuchar una canción para formarse un mapa musical de norte a sur y de este a oeste. No cuesta nada conocer Guatemala a través de sus composiciones. Por ello fue bautizado como “ El Cantor del Paisaje”.

José Ernesto Monzón Reyna nació el 31 de diciembre de 1917 en Todos Santos Cuchumatan, Huehuetenango en uno de los departamentos de mayor tradición musical en Guatemala, viene de una familia de pura cepa artística, su padre don Aparicio Monzón Hidalgo tocaba la guitarra, su mamá doña Rosario Reyna Cifuentes fue maestra de piano. Se inicio como compositor el 23 de junio de 1937 a la edad de 20 años, al componer la canción Rió Limón o el todosantero , bajo la dirección de su primo hermano Gustavo Tello Monzón, quien también tocaba la guitarra.
Compuso más de 200 canciones, en varios ritmos entre ellos: vals, son, chotis, corrido, bolero, guaracha, guarimba, entre otros. La mayoría de sus canciones fueron de corte vernáculo, es decir, se dedico a describir y exaltar la belleza de cada pueblo, aldea, municipio o pedazo de tierra de Guatemala, de la misma forma compuso un sin numero de boleros románticos y escribió varios poemas de gran riqueza literaria. No leía ni escribía solfa, el instrumento en el cual compuso todas sus canciones fue la guitarra. Le canto a todos los departamentos del país, a algunos les escribió, dos, tres y hasta seis canciones, también compuso canciones para cada uno de los países centroamericanos, así como a dos ciudades de México. Algunas de sus canciones están llenas de modismos guatemaltecos como ¿quién quilete? ¡Ah puchis que de ha sombrero! Mi tinajita, y otras más.

Dentro de sus éxitos más grandes y conocidos están:

• Milagroso Señor de Esquipulas, dedicada el Cristo Negro en la ciudad de Esquipulas, Chiquimula, el cual se ha convertido en un himno para los peregrinos que viajan de todas partes del país a venerar la santa imagen. Este tema fue compuesto en 1948, en 1958 figuro en el programa de éxitos latinoamericanos difundido por la W. R. U. L de Nueva York, habiendo sido una de las canciones mas gustadas en el mes de octubre. Ese mismo año llevo la representación de Guatemala al III festival folclórico del café en Manizales Colombia, interpretada por Rodolfo Agusto Tejeda con el acompañamiento de la marimba Maderas de Mi tierra fue declarada la mejor canción del festival. En 1981 cuando viajo a Chile, Perú y Colombia la encontró grabada en las voces de Olimpo Cárdenas y Julio Jaramillo. En ocasión de la segunda visita del Papa Juan Pablo Segundo a Guatemala, oportunidad en que visito la basílica de Esquipulas, las radio y la televisión nacional transmitió el recorrido de la caravana papal con el fondo musical de El Milagroso Señor de Esquipulas, interpretada por la gran Alicia Azurdia.
• Su más grande éxito Soy de Zacapa fue grabado en México por el Mariachi vargas de Tecalitlan, y en España por la Orquesta del Maestro Alfonso Agulló, En Guatemala ya se perdió la cuenta de las versiones que han hecho de ella, es la canción mas cantada en vivo y mas interpretada por conjuntos y marimbas de todo el país, se había previsto que el interprete mexicano Pedro Infante grabara el tema Soy de Zacapa así como el bolero Otra Vez de José Ernesto Monzón, para lo cual habían tenido ya acercamientos, lastimosamente el interprete murió antes que esto pudiera realizarse.
• En el año 2000, la empresa de noticias mexicana Notimex, en su edición especial llamada Serie 2000, lo cataloga como el artista guatemalteco más popular y reconocido del siglo XX.

José Ernesto Monzón “El Cantor del Paisaje”, muere a los 84 años de edad el 24 de septiembre del 2003, después de convalecer de tres infartos al miocardio y una neumonía. El pueblo guatemalteco se volcó a rendirle tributo a uno de sus más queridos hijos, la radio y la televisión guatemalteca transmitieron ininterrumpidamente los servicios funerarios hasta su llegada al cementerio de la ciudad de Huehuetenango. Los periódicos nacionales llenaron sus paginas de noticias referidas a la muerte del compositor. Guatemala vivió el funeral mas largo de su historia, el cuerpo del maestro fue velado en 4 distintos lugares durante tres noches, fue trasladado en una caravana de vehículos durante mas de 9 horas por 266 kilómetros en los que el pueblo salió a su paso a darle serenata, tirarle flores o decirle adiós. Fue recibido en su ciudad natal con marimbas, canciones, flores, innumerables escuelas y colegios esperaban la llegada de sus restos, ciudadanos de toda clase y profesión, todos querían despedirse del “Cantor del Paisaje”. Fue enterrado el 27 de septiembre en el cementerio general de Huehuetenango.

En ese momento murió el hombre y nació la leyenda.

Celia Cruz

Reconoció su pasión desde muy chica, alentada desde siempre por su madre. Se hizo famosa en el mundo por estar en las orquestas más prestigiosas de la salsa. También actuó en cine. Pero lo más destacado de su carrera fue que hizo llegar su vibrante voz a todos los rincones del planeta, contagiando su alegría de vivir que la mantuvo con fuerza hasta su último día.

¡Azúcar!
Celia Caridad Cruz Alfonso nació en el barrio de Santos Suárez, La Habana, el 21 de octubre de 1930. Sus padres fueron Simón Cruz, fogonero de los ferrocarriles, y Catalina Alfonso, ama de casa. Tuvo tres hermanos -Dolores, Gladys y Barbarito-.

Desde un primer momento quien la apoyó en su pasión por el canto fue su madre, que también tenía una voz espléndida, ya que su padre quería que fuese maestra. Comenzó a estudiar magisterio, pero cuando estaba a punto de terminar la carrera la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música.

Mientras tanto, Celia Cruz cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La Corte Suprema del Aire.

Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México. En 1950 ya había intervenido en varias emisoras cuando pasó a integrar el elenco del cabaret Tropicana, donde la descubrió el director de la Sonora Matancera, el guitarrista Rogelio Martínez, y la contrató para reemplazar a Mirta Silva, la solista oficial de la orquesta.

A lo largo de los años cincuenta Celia Cruz y la Sonora Matancera brillaron en la Cuba de Pío Leyva, Tito Gómez y Barbarito Díez; del irrepetible Benny Moré, del dúo Los Compadres, con Compay Primo (Lorenzo Hierrezuelo) y Compay Segundo… La Cuba de Chico O’Farril y su Sun sun babae, la de La conga de los Habana Cuban Boys, la de Miguel Matamoros con su Mamá, yo quiero saber de dónde son los cantantes, la de Miguelito Valdés con su Babalú… Celia aportó su Cao Cao Maní Picao y se convirtió en un éxito, y otro posterior, Burundanga, la llevó a Nueva York en abril de 1957 para recoger su primer disco de oro.

Era la Cuba corrupta y bullanguera de Fulgencio Batista. Cuando el dictador se vio obligado a refugiarse en la República Dominicana ante el triunfo de los castristas, el 1 de enero de 1959, la orquesta tuvo que andar otros caminos. Según la cantante, desde entonces soportaba mal que le dijeran qué y dónde tenía que cantar. El 15 de julio de 1960 la banda en pleno consiguió el permiso para presentarse en México y, una vez allí, en parte impulsada por el agravamiento de las relaciones entre Estados Unidos y Cuba, decidió no regresar.

Después de un año de aplausos en la capital azteca, Celia Cruz se mudaba a Estados Unidos y sellaba su primer compromiso para actuar en el Palladium de Hollywood. Si bien declaró en aquellos días «he abandonado todo lo que más quería porque intuí enseguida que Fidel Castro quería implantar una dictadura comunista», su furibunda militancia anticastrista nació después, a partir del 7 de abril de 1962, cuando supo de la muerte de su madre y no pudo entrar en la isla para asistir al entierro. Llegó a confesar incluso que estaba dispuesta a inmolarse haciendo estallar una bomba si con ello hacía desaparecer «al Comandante».

Tres meses después, el 14 de julio de 1962, Celia Cruz se casó con el primer trompetista de la orquesta, Pedro Knight, quien a partir de 1965, en que ambos dejaron la Sonora, se convirtió en su representante. Celia Cruz inició su trayectoria como solista junto al percusionista Tito Puente, con el que grabó ocho álbumes. Los jóvenes hispanos de Nueva York la descubrieron en 1973 en el Carnegie Hall, cuando integraba el elenco de la «salsópera» Hommy, de Larry Harlow.

Posteriormente, participó en un legendario concierto grabado en vivo en el Yanquee Stadium con The Fania All-Stars, un conjunto integrado por líderes de grupos latinos que grababan para el sello Fania. Ya era famosa en 1974, cuando grabó el disco Celia & Johnny con el flautista dominicano Johnny Pacheco, considerado el primer clásico del género.

Desde entonces, el éxito fue una constante en centenares de conciertos coreados por un público entregado al grito de su Bemba colorá. Esa voz electrizante, su alegría contagiosa y el llamativo vestuario fueron pronto una bandera de identidad de los inmigrantes. Ella, a su vez, terminó por asumir el rol de estandarte del anticastrismo.

«¡Azúcar!» era su potente grito infeccioso, la contraseña de apertura y cierre de sus conciertos y la clave para hacerse entender en todo el mundo. Difícilmente alguien ha bailado más -y ha hecho bailar más- que esta cubana de sonrisa contagiosa y persistente que conquistó adeptos de todas las latitudes a lo largo de más de cincuenta años de exitosa trayectoria. Cantante de guarachas, danzones, sones y rumbas en sus comienzos, Celia Cruz siempre estuvo abierta a nuevas experiencias que la llevaron a abordar otros ritmos y a unirse a proyectos en principio arriesgados para una artista consagrada.

Así se erigió en la imagen distintiva de la salsa con orquestas como las de Tito Puente, Willie Colón, Ray Barretto o Johnny Pacheco, y así llegó a cantar incluso rock o tango, y a unir su poderosa voz a la de intérpretes tan dispares como el británico David Byrne, el rumbero gitano Azuquita, el grupo argentino Los Fabulosos Cadillacs, los españoles Jarabe de Palo y el rapero haitiano Wyclef Jean, además de improvisar duetos con sus amigas Lola Flores y Gloria Estefan, y con Dionne Warwick o Patti Labelle.

Celia ganó un Grammy al mejor álbum de salsa por “La negra tiene tumbao”, y en el verano de 2002 celebró su 40º aniversario de matrimonio. A fines de ese año se sometió, en los Estados Unidos, a la extirpación de un tumor cerebral. Su última aparición ante el público fue cuando la comunidad latina le hizo un homenaje en el teatro Jackie Gleason de Miami. Al año siguiente, entre febrero y marzo, grabó un último disco que no llegó a ver editado, “Te entrego el alma”.

Finalmente se fue el 16 de julio de 2003, y miles de compatriotas la despidieron en Miami y Nueva York, donde recibió sepultura.

Durante su larga trayectoria, Celia Cruz ha grabado 76 álbumes en compañía de los salseros más reconocidos a nivel mundial. Además, ha recibido más de cien premios, entre los cuales se puede mencionar: un doctorado honorario en la Universidad de Yale, una estrella en Hollywood Boulevard y un reconocimiento de Nacional Endowment for the Arts.

Celia fué, y sigue siendo para mí, la Reyna de la Salsa, La Guarachera del mundo.

Frankie Ruiz

José Antonio Torresola Ruiz (Frankie Ruiz) nace en Paterson, Nueva Jersey en Estados Unidos, un 10 de marzo de 1958. Esta estrella de la salsa siempre será recordada por su desenfrenado estilo de vida que lo llevó a su propia destrucción, con su tremenda voz de tenor y sus vigorosas actuaciones.

Desde su niñez empieza a cantar salsa, destacando por un talento precoz que le ayuda a entrar en relación con músicos profesionales. Empieza cantando a los 7 años y con 13 años ya graba su primer disco en 1971 al lado de Charlie López y la Orquesta Nueva. En 1974, Frankie Ruiz se traslada a Puerto Rico con su madre y se instala en Mayagüez donde va a cantar con los grupos La Dictadora y La Moderna Vibración. Es en Puerto Rico donde Frankie Ruiz consolida su carrera musical integrando en 1977 la orquesta La Solución donde se convierte en cantante co-líder con tan solo 19 años. Con esta orquesta graba dos discos. El primero es Frankie ruiz y La Solución en 1979 y, que posteriormente es reeditado 1996 con el titulo Salsa Buena. El segundo disco es Orquesta Solución, todo un éxito en el que destacan temas como, La Vecina y La Rueda. Tres años más tarde entra a formar parte, como cantante, de la prestigiosa orquesta de Tommy Olivencia. En ella graba la canción Viajera que forma parte del disco Primer Concierto de la Familia TH, editado en 1983. En 1984 edita el disco Celebrando Otro Aniversario, del que destaca la canción Lo Dudo. Este disco está considerado como un disco de los mejores de la salsa romantica, cuyas palabras de amor y esa voz tan suave con un timbre tan particular, van a convertir a Frankie Ruiz, el cariñoso, en uno de los cantantes más queridos.

En 1985 se vuelve solista y graba su primer disco Solista Pero No Solo este disco acaba en los mejores lugares de los hits puertorriqueños y latinoamericanos con varias canciones y gana el titulo del mejor disco en los Latin Music Awards de Billboard en 1986 y es uno de los discos latinos mas vendidos en los años 80. En 1987 confirma su ascenso, en el disco Voy Pa Encima lleno de éxitos se venden 300,000 ejemplares en los Estados Unidos y Puerto Rico, hasta cruzar el Atlántico para sonar en España con el mundialmente conocido Desnúdate Mujer es la hora de la consagración y la revista americana Billboard lo elige artista de año 1987 en la categoría Tropical/Salsa.

Todo un sueño pero siempre en los sueños hay pesadillas y para Frankie Ruiz fue su adicción a las drogas y al alcohol. Desde su juventud esta combinación de drogas y alcohol le queman el organismo y el hígado. Los problemas judiciales se añaden a sus problemas físicos cuando Frankie Ruiz es arrestado por posesión de “crack “en junio de 1988, y lo envían 14 meses a la cárcel.

A pesar de estar en prisión se venden 200,000 de su disco En Vivo y a Todo Color. Luego Mas Grande Que Nunca, apareció en 1989, llega a los niveles mas altos de las ventas .y los éxitos comerciales y artístico siguen: apenas herido por su vida caótica Frankie ruiz en 1993 saluda a su isla y a quedado grabada para siempre en los corazones de todos los puertorriqueños. En 1992 sale a la calle el disco Mi Libertad y en 1993 Puerto Rico Soy Tuyo. En 1995 sale a la venta Mirándote y el magnifico Tranquilo le sucede en 1996 y le ofrecen un premio en los Latin Music Awards de Billboard de 1997.

Su ultima aparición fue en un concierto en el Madison Square Garden el 11 de julio de 1998. El 9 de agosto de 1998 a la edad de 40 años acabado por las drogas y el alcohol sucumbe por la la cirrosis y muere en un hospital de Nueva Jersey antes de la media noche rodeados de sus hijos, su padre y hermanos y fue enterrado en Paterson, Nueva Jersey junto a su hermano que murió en 1995.

En definitiva uno de los más grandes interpretes de la salsa de todos los tiempos.