Fallece Jairo Varela, Fundador del grupo Niche.

El fundador de quien para mí ha sido uno de los mejores exponentes de la música Salsa, el grupo Niche de Colombia, Jairo Varela Martinez fue hayado muerto en el baño de su casa en Cali, Colombia, tras sufrir un infarto al miocardio según informó su familia.

El músico de 62 años había sido recluído en una clínica en días pasados precisamente por padecer de problemas cardíacos.

En el año de 1978, Jairo Varela creo el Grupo niche siendo éste grupo el primero proveniente de colombia en tocar en el famoso Madison Square Garden de Estados Unidos.

Discografía del grupo Niche:
1979 Al pasito
1981 Querer es poder
1982 Preparate
1983 Directo desde New York
1984 No hay quinto malo
1985 Se paso (triunfo)
1986 Me huele a matrimonio
1987 Con cuerdas
1988 Historia Musical
1988 Tapando el hueco
1989 Me sabe a Peru
1989 Sutil y contundente
1990 Cielo de tambores
1992 Llegando al 100%
1993 12 años
1994 Niche the best
1994 Un alto en el camino
1995 Huellas del pasado
1996 Etnia
1997 A prueba de fuego
1998 Señales de humo
1999 A golpe de folklore
2000 Antologia
2000 Propuesta
2001 Danza de la chancaca
2002 22 Ultimate Salsa Hits
2002 Control absoluto
2004 Imaginacion
2005 Alive
2010 20 Exitos Originales

A varela se le consideró un gran impulsor de muchos cantantes y músicos colombianos, en los últimos años su salud había decaído y en el 2007 había permanecido delicado tras sufir un infarto, su deceso se produce cuando el grupo Niche conmemoraba más de treinta años de actividades en los escenarios.

Que en paz descanse Jairo Varela.

Willy Chirino

Wilfredo José Chirino (5 de abril de 1947 en Consolación del Sur, Pinar del Río), conocido artísticamente como Willy Chirino. Se crió y vive en Miami, Chirino, que nació en Consolación del Sur, provincia de Pinar del Río, Cuba, llegó de niño a Miami a través de la operación Pedro Pan, toca varios instrumentos, es arreglista, compositor, cantante y productor. Su mayor escuela musical fue de pequeño en su barrio, donde diariamente se juntaba con sus amigos, los empleados de la panadería, casi todos negros, que sacaban melodías rumbosas en las cajas de pan. Ahí también se especializó en tocar «los sartenes». Su carrera, en serio, comenzó en el 1962 en una banda de Rock en la escuela donde estudiaba. Igual que mayoría de los grupos jóvenes que luchan por darse a conocer, «The Whailers» tocaban en todas partes en busca de experiencia y éxito. Pero Willy Chirino siempre de prisa por avanzar, se encontraba a los 16 años en New York, trabajando con Julio Gutierrez, Tito Puente y otros músicos de renombre, en su afán por pulir y crear su propio estilo.
Desde el primer disco larga duración en, 1974, sus grabaciones han sido populares, Soy, Maria Magdalena, Colgando de un Hilito, Zarabanda, Artista Famoso y Tipo Típico, son sólo algunos de sus éxitos.
Con más de un centenar de composiciones a su haber, sus canciones están en constante demanda por artistas de reconocida fama internacional, entre sus intérpretes están los Gypsy Kings, Vicki Carr, Rafael, Lissette, Dyango, Rocío Jurado, Ricardo Montaner, Charytín, Angela Carrasco, Magneto, Franco, Jorge Muñiz, Oscar de León y muchos más.

Una canción en particular Soy, ha sido grabado por decenas de artistas en el mundo entero, en más de cinco idiomas. Mientras que Nuestro Dia Viene Llegando, són autobiográfico que describe el proceso de un niño que comienza su vida en el extranjero a 90 millas de su país de origen, conmueve por igual a coterráneos, así como a emigrantes o exilados latinoamericanos y se ha convertido en un himno de esperanza en su Cuba natal.

Como productor, no sólo realiza sus propios discos, sino el material de figuras de la talla de Oscar de León, Rafael, Rocío Jurado, Jorge Muñiz, Magneto, entre otras. Muchas estrellas importantes del mundo de la canción están solicitando actualmente su experiencia en ese importante campo. Chirino también ha escrito y cantado el tema musical de 3 telenovelas: «La Zulianta», «Pobre Diabla» y «Laura Virginia».
Willy Chirino, hombre sencillo, amistoso y jovial, está casado con la reconocida intérprete y compositora Lissette, quien tiene 28 álbumes en su haber y una sólida carrera en el mundo de la música. De esa unión hay tres hijos: Nicolle, Alana y Gianfranco, y de su anterior matrimonio Willy tiene otras tres hijas: Angie, Olgui Mari y Jessica.
Willy prepara un álbum con temas de Los Beatles, a cuya esencia sumará un sonido caribeño.

Como admirador declarado de «El Cuarteto de Liverpool», el artista posee en su computadora el repertorio completo de la extinta agrupación, mismo que se dio a la tarea de escuchar para el análisis y la selección de temas que conforman su nuevo proyecto, que saldrá al mercado en 2010.
En el transcurso de su carrera Chirino no sólo ha obtenido premios, nominaciones, discos de oro, reconocimientos, ha sido rey de Carnaval de Miami y hasta una importante arteria de la «capital del sol» se llama «Willy Chirino Way», sino que ha conquistado el corazón de cuantos le conocen y se ha vuelto paladín de su propio pueblo.
A través de la fundación que lleva su nombre, Willy Chirino se ha dedicado a ayudar a la diáspora cubana en cualquier confín del mundo. Y se ha convertido en la «voz» de los cubanos dentro y fuera de su país.

Tony Vega.

Una de las figuras más populares de la salsa contemporánea, Tony Vega ha estado expuesto a la música desde sus años de infancia. Primero recibiendo la influencia del género de tierra adentro a través de miembros de su familia del pueblo de Ciales que eran cuatristas, trovadores y hasta cantantes, como es el caso de su primo Adalberto Santiago. Posteriormente, recibiendo también la influencia de la música anglosajona en el tiempo que radica en los Estados Unidos.

Ante esta mezcla de influencias musicales no es de extrañar que a los 13 años Tony Vega integrara una banda de rock latino llamada City Trash. Pero casualmente, a pesar de incursionar en un género sajón, su ejecución de los timbales en el grupo va delineando lo que sería más tarde su pasión: la música afroantillana.

En ese mar de influencias musicales un buen día el género tropical capturó su atención para siempre. Era el soneo del maestro Maelo, la clave de Cortijo y su Combo, el sabor de Rafael Ithier y El Gran Combo los que cautivaron a Tony convirtiéndolo en adepto incondicional del género afroantillano.

Tony Vega, nació el 13 de Julio de 1957 en Salinas, Puerto Rico. Uno de los mejores cantantes de salsa oriundo de Puerto Rico crecido en los años 80, Trabajador incesante y artista influyente en la generacion de su tiempo. Se ha dicho que «Tony Vega define su música como salsa con clase y swing, un sonido fresco, moderno, sin complicaciones, con un toque romántico y raíces tradicionales». Vega comenzó su carrera profesional en 1978, y grabó su primer álbum como uno de los dos cantantes principales de La Selecta, un grupo dirigido por Raphy Leavitt. Entre las canciones que cantó con Leavitt, estaban las populares «Cosquillita», «Sheila Taína» y «El Picaflor». Estuvo allí por un año y medio, y luego se unió al famoso grupo La Mulenze por un corto período de 3 meses. Después de dos años con Leavitt, Vega se fue y se unió al grupo de Willie Rosario.       Estuvo con ellos por 6 años, desde 1980 hasta 1986.       En 6 de los álbumes que Vega grabó con Rosario, cantó con el ahora famoso Gilberto Santa Rosa. Su experiencia con Rosario fue como entrenamiento para el joven artista, y como resultado están los éxitos: «Mi Amigo El Payaso», «Caramelito Del Campo» y «Busca El Ritmo».

Vega contribuyó para el álbum de Rosario, «La Nueva Cosecha», el cual ganó una nominación al Grammy. Mientras su vida artística avanzaba su vida espiritual experimentaba un encuentro personal con Jesucristo y su mundo interior comenzaba a cambiar. Según el mismo comenta que a diferencia de otros casos, su entrada a los caminos de Dios se dio por convencimiento y no por angustias.

“Antes me dedicaba a mi carrera, mi familia y por último a Dios,  ahora es todo lo contrario,  primero es Cristo  segundo mi familia y tercero mi carrera musical.        Vivo muy feliz, es una labor bien linda, y según hay un batallón de gente orando por nosotros. Y hay cantidad de artistas que ni saben que también oramos por ellos. En su momento,  sabrán por qué”,   el cantante de «Aparentemente» y otrora integrante de las populares orquestas La Selecta y de Willie Rosario, había logrado levantar un imperio bajo su nombre.

Tony Vega ganó Disco de Oro y Disco de Platino.    Mereció el premio Agüeybaná 1992 a la Mejor Orquesta del Año.   Y afianzó su carrera actuando en el extranjero.

Cuando Puerto Rico recibió el Premio Príncipe Asturias, Tony Vega fue uno de los artistas reclutados para actuar en el Palacio de los Deportes de Madrid en el concierto «Abrazo caribeño de Puerto Rico a España». Posteriormente actuó en la última feria mundial de este siglo, la Expo ’92 de Sevilla.

Igualmente viajó a Chile, Colombia, California y Nueva York para presentarse en el concierto de Tito Puente The Mambo King. También fue una de las figuras que participó en la pasada edición del Festival de Soneros de Nueva York.

En 1996, Tony participó junto a figuras como Marc Antonhy en el espectáculo de apertura del Séptimo Campeonato del Mundial de Gimnasia, celebrado en Puerto Rico, el cual fue transmitido a más de 54 países.

Un imperio que poco a poco vio caer después de aceptar al señor,  al punto de perder sus casas, sus carros y su contrato discográfico.

«Me dio una depresión tan grande que no podía cantar. Tenía gastos mensuales de $15 mil a $16 mil dólares, y empleados a los que había que pagar. Tuve que vender mis cuatro casas porque de lo contrario las iba a perder tal como ocurrió con mis carros que me los quitaron», aseguró y admitió que fueron esas mismas experiencias las que lo prepararon para grabar su primera producción con mensaje cristiano y la undécima de su carrera. “Este disco sale después de estar mis primeros 10 años en los caminos del Señor Jesús.

Es un proyecto que desde mi conversión estaba en planes,  lo que sucedió es que gracias a Dios y al consejo de mis pastores entré en un proceso que nosotros llamamos ‘el primer amor’ en el que aprendí de la palabra de Dios, pasé grandes pruebas y así mismo, me levanté”, reveló Vega. Este disco nace de una profecía que me hizo un muchacho hace un tiempo atrás. Y así fue, y hoy puedo decir que todo se dio según su revelación,    y puedo decir que vengo con la música de salsa para todos los públicos”. De hecho, para la música hicimos el sello que se llama “9010”, que según explicó significa 90 por ciento de las ganancias para el ministerio de misiones, y 10 por ciento para los gastos del trabajo. “En este disco re grabé en ritmo de reggaetón el tema ‘Cuestión de fe’ junto al cantante cristiano Funky. Además, incluyo el tema ‘Mi iglesia’ que había grabado con Alex D’Castro.

Tengo una canción inédita en ritmo de balada titulada ‘Señor que ves?’ y ‘Que tire la piedra’ del compositor Abraham Velázquez”, En esta nueva producción discográfica presento las buenas nuevas, quién es Jesús, cómo me siento y canciones de adoración, alabanza y concienciación porque a veces juzgamos tanto y Jesús no vino a hacerlo. Nuestra misión es dar cosas buenas porque la gente las recibe. Hay necesidad en las personas y cuando toco algo que toca su fibra veo las reacciones. Hace dos años tengo un ministerio donde visito iglesias y testifico de donde Dios me sacó y lo que había hecho.

Willie González.

Sus comienzos en la música datan desde que contaba con 15 años de edad, donde se destaca tocando el trombón. Más tarde comienza su preparación y desarrollo en las facetas de compositor y vocalista.

Sus primeras participaciones fueron con la Orquesta Saraguey, la cual estuvo bajo su dirección. Aquí compartió sus primeros pasos junto a Eddie Santiago, donde ambos eran los cantantes principales.

Luego, pasa a formar parte del Conjunto Chaney donde el tema «Paso la vida Pensando» ocupó los primeros lugares de preferencia. En esta agrupación Willie González y Eddie Santiago fueron las voces principales. Ya en el año 1988, acompañado de la Orquesta «Noche Sensual» se lanza como solista para el Sello Sonotone, entrando en la línea «erótica» o «sensual» que predominaba para ese entonces. La producción llevó el nombre de «Willie González, Original y Único», la cual alcanzó las 100,000 copias. Obtuvo Disco de Platino y Premios Diplo, entre otros, por temas «Amor Pirata», «Hazme Olvidarla», y «Quiero Morir en tu Piel».

Al colocarse entre los primeros exponentes de la salsa romántica grabó en el 1990 su segunda producción «Willie González, Sin Comparación», bajo el Sello MP, que incluyó los éxitos «Seda», «No «Podrás Escapar de Mí, «Vuelve», y «Ese Soy Yo». Para el año 1992, graba el álbum «Para Usted, el Público» logrando colocar como éxitos los temas «He Vuelto», y «Ese Soy Yo». Esta producción incluye dos temas de su autoría.

En el año 1994 graba su cuarta producción bajo MP titulada «Justo a Tiempo», donde se destacan los temas «Pequeñas Cosas», «Esa», «Si Supieras» y «Tanto Amor».

Su quinta producción «Hacia un Nuevo Camino», grabada en el año 1995, también bajo el Sello MP, contiene los temas «Pobre Tonto», «Tan Solo», y «Quiero Recuperarte», entre otros.

También cuenta con los trabajos musicales «Éxitos de Willie González, Volumen I y II».

En el año 2000, graba «Sensualmente a mi Estilo», bajo el Sello World Music. Dicha producción consta de 10 temas, tres de ellos de su autoría. Entre los temas se destacan «Como Son las Cosas», «No Me Dejes», «No Puede Estar Sin Tí» y «Convéncela».

Su trayectoria musical se ha hecho sentir en países como Europa, Estados Unidos, México, Venezuela, Colombia, Panamá, Perú, Ecuador y Santo Domingo, donde actualmente, sigue cosechando éxitos con sus presentaciones.

Ahora, regresa un Willie González, renovado musicalmente, aunque en la misma línea romántica y sensual que lo caracteriza pero con más «swing» y sabor para el público bailador. Nuevamente, de regreso a su antigua casa discográfica Musical Productions y de la mano del maestro Julio «Gunda» Merced, este talentoso artista nos presenta su sexta producción titulada «WILLIE GONZALEZ, REENCUENTROS».

Esta producción contiene ocho temas, entre los cuales se destacan dos a dúo con el reconocido intérprete Eddie Santiago, quien funge como su artista invitado en los temas «Por Esa Mujer» y «Solamente Ella». Otros temas incluidos en esta producción son «Cuando Pienses en Mí», Un Amor como el Nuestro», Eres Todo y Mucho Más», «Irremediablemente», «Recuerda que Siempre te Quiero», «Ámame toda la Noche». Temas de la autoría de Alejandro Montalván, Jorge Luis Borrego, Ricardo Vizuete, Pedro Arroyo y Julio «Gunda» Merced forman parte de esta excelente producción, grabada en los Estudios de Musical Productions, Puerto Rico.

Entre los músicos se destacan Luisito Marín, William «Cachiro» Thompson, Pedrito Pérez, Rafy Torres, Toñito Vázquez, Pichie Pérez, Tito de Gracia, Alberto Machuca, Jorge Díaz y Elliud Cintrón. Los coros cuentan con las excelentes voces de Papo Sánchez, Nino Segarra, Tito Allen, José Ernesto y Darvel García.

Willie González, gran cantante, compositor y músico.

Cheo Feliciano.

José «Cheo» Feliciano nació el 3 de Julio de 1935 y dió sus primeros pasos en firme en el campo de la música como estudiante de la Escuela de Música Libre en su nativa Ponce, Puerto Rico. A la edad de 17, se trasladó con su familia a Nueva York donde empezó su carrera profesional como percusionista con un grupo llamado «Ciro Rimac’s Review».

Pasó luego a trabajar con la orquesta de Tito Rodriguez, después como conguero con el Conjunto Marianaxi dirigido por el maestro Luis Cruz, y como percusionista con la orquestra de «Kako y su Trabuco». Por recomendación de Tito Rodriguez, Feliciano hizo una audición y obtuvo un trabajo con el Sexteto de Joe Cuba como vocalista. Con Joe Cuba obtuvo sus primeros éxitos en la radio. Temas como «A las seis», «El ratón», «Como ríen» y «El pito», marcaron su paso por el famoso combo Cubano; por un tiempo hizo una breve aparición con la orquesta de Eddie Palmieri.

Al final de los años 60, Cheo decidió interrumpir su carrera en protesta por la guerra no declarada de los Estados-Unidos contra Vietnam. Después de un retiro de tres años, su carrera se reactivó con una grabación histórica titulada Cheo. Rompiendo todos los records de ventas, con el sello Vaya, se anotó éxitos con sus canciones «Anacaona», «Mi triste problema», «Pa’ que afinquen» y «Si por mí llueve». Recibió numerosos premios por su esfuerzo, incluyendo el Front Page Award (Premio Primera Plana) del diario New York Daily News.

De sus años de grabación con el sello Fania se produjeron éxitos como «Juguete», «Salomé», «Los entierros de mi gente pobre» y «Juan Albañil». Tambien formó parte del elenco de la primera opera salsa «Hommy». En los anõs 80, Cheo lanzó su propia compañia de producción de discos: Coche Records. Al entrar a la decada del 90 realizó varios proyectos importantes, incluyendose dos álbums con la Rondalla Venezolana y su trabajo en Cuba, del que editó el compacto: «Cheo en Cuba».

A fines de 1999, Cheo editó una remarcable producción titulada «Una voz, Mil Recuerdos». En este trabajo, Cheo Feliciano rinde homenaje a figuras de la música como Tito Rodríguez, Ismael Rivera, Frankie Ruíz, Mon Rivera, Gilberto Monroig y Santitos Colón, entre otros. El álbum fué escogido como uno de los veinte mejores en 1999 por la Fundación Nacional de la Cultura Popular, por canciones como Camionero.

El Gran Combo de Puerto Rico – La Universidad de la Salsa –

Esta institución musical conocida como El Gran Combo de Puerto Rico surge tras la ruptura del Combo de Rafael Cortijo en 1962, se reunen Rafael Ithier, Eddie Perez, Hector Santos, Rogelio (Kito) Velez, Martín Quiñones, Miguel Cruz y Roberto Rohena con Rafael Alvarez Guedes con el propósito de formar un grupo que acompañaría a un cantante dominicano de nombre Joseito Mateo en una grabación para su sello GEMA. Fue el propio Alvarez Guedes quien «bautiza» el grupo como EL GRAN COMBO. Esa primera grabación llevó por título «Menéame los Mangos» – El GranCombo con Joseito Mateo.  Se escoge a Rafael Ithier como director.  Buscando un sonido y una imagen que los identificara, son incorporados al grupo Milton Correa. Mickey Duchesne, Pellin Rodriguez, Chiqui Rivera y Paleco como «band boy».

Tras un comienzo tormentoso, la calidad de sus músicos les abrió puertas en la emisora WIAC donde iniciaron un programa radial junto a Fidel Cabrera. Poco a poco se fueron dando a conocer en los hogares puertorriqueños y el 26 de mayo de ese año hicieron su primera presentación pública en el salón Rock and Roll de Bayamón. Luego pasaron a WKAQ con Turín Llamas, donde se fraguó su debut ante las cámaras de televisión en «La Taberna India». Posteriormente debutan en el Hotel La Concha, casualmente alternando en un baile homenaje en honor a Rafael Cortijo.

Dos días antes del asesinato del presidente John F. Kennedy, salió al mercado la primera producción discográfica del grupo, «Acángana». El luto se apoderó del pueblo puertorriqueño y los productores del disco, los hermanos Alvarez Guedes, detuvieron la distribución en la Isla y enviaron la grabación a Panamá, Venezuela y México, donde sonó con fuerza en los distintos medios de la época. Luego llegó a Nueva York y finalmente a Puerto Rico, donde fue acreedor de su primer Disco de Oro.

En Puerto Rico siguen deleitando al público con su ritmo y sonido peculiar que poco a poco habia ganado tantos admiradores y logran un contrato de exclusividad para televisión en «EL SHOW DE LAS 12:00» bajo la producción de Paquito Cordero. Pero como todo en exceso es perjudicial, la demanda por el grupo merma ya que para los fanáticos era muy fácil ver a sus idolos y escuchar sus exitos cómodamente sentados en su hogar.  Por tal motivo, las ventas de sus discos bajan y ya no eran contratados para amenizar algun baile con la frecuencia y la fuerza de antes. A pesar de todo esto, en 1967 reciben su segundo Disco de Oro por la grabación «BOOGALOO CON EL GRAN COMBO». Cabe destacar que para esa fecha ya habian grabado12 L.P.’s.   En 1971 se incorpora un nuevo instrumento: El Trombón; haciendo así entrada, Epifanio Ceballo (Fanny), el cual permanece por espacio de veinte (20) años y quien fallece de cancer en 1991, siendo integrante activo del grupo. En ese mismo año (1971) graban el disco donde estrenan su nuevo sonido: » De Punta a Punta», donde se destacan éxitos tales como «Don Goyo», «Achilipú», «Le Dicen Papá», y otros.

Record World Magazine los premia como EL COMBO DEL AñO en 1972, cuando también ganaron el Festival del Disco de Oro en Miami. En 1973 sale del grupo Pellin Rodriguez para lanzarse como solista.  Es cuando entra al grupo Charlie Aponte quien encaja perfectamente con el sonido de la agrupación y perfilandose como una voz que identificaría al grupo por muchos años.  Continúan acumulando premios y para esta fecha ganan el Festival de Orquestas de Venezuela. La lista de ciudades que los aclamaban continúa ampliándose y es aquí, cuando picado un poquito por los celos patrióticos, Mariano Artau decide bautizarlos como LOS MULATOS DEL SABOR, EL GRAN COMBO DE PUERTO RICO.  En 1976, son honrados al ser declarados «Ciudadanos Honorarios de Nueva Orleans».

La década cerró con otros galardones importantes, entre ellos un reconocimiento otorgado por la corporación organizadora del Festival de Bomba y Plena del Instituto de Cultura Puertorriqueña. Y estrenan la nueva década con un Disco de Oro por el álbum «Aquí no se sienta nadie»; así como un viaje a Perú que los colmó de gloria en el país andino. El próximo año reciben el Calendario de Plata en México, un mercado difícil de conquistar.

Al cumplir 20 años, El Gran Combo recibió múltiples reconocimientos nacionales e internacionales, entre los que se destacaron «El Congo de Oro» de Colombia, una Resolución del Senado de Puerto Rico y otra del pueblo de Dorado, así como un Premio Paoli. Dos años más tarde probaron ser «La Universidad de la Salsa», al llevar su música a las frías tierras de Alaska, donde encendieron el ambiente con el calor de su ritmo. Honran la visita con la grabación del disco «Breaking the Ice – El Gran Combo en Alaska» nominado para un Premio Grammy. Ese año ganan otro Premio Paoli y la radioemisora Z-93 le dedica el Primer Día Nacional de la Salsa a Rafael Ithier. Ya para entonces El Gran Combo había conquistado países como Inglaterra, Alemania, Holanda, Suiza, España, Argentina, Venezuela, Japón y todos los Estados Unidos.

En 1982 se presentaron en un concierto histórico en el Madison Square Garden, donde celebraron su Aniversario de Plata ante un abarrotado público que entonaba de pie «Feliz cumpleaños». Otros homenajes no se hicieron esperar e igualmente recibieron «El Guayaquil Luminoso» de Ecuador, el «Premio Aplausos a la Mejor Orquesta», una Resolución de la Cámara de Representantes de Puerto Rico, otra de Bayamón y una proclama del pueblo de Juncos, entre otras. Cinco años más tarde celebraron a todo dar sus 30 años como embajadores de la alegría, iniciando las festividades con un juego de softball con estrellas actuales y legendarias del baseball de Grandes Ligas y artistas invitados, entre éstos, Víctor Pellot Power, Rubén Sierra y Gilberto Santa Rosa.

Los homenajes continuaron en Madrid, donde celebraron en grande y recibieron amplia cobertura en los diarios. A su regreso el Senado de Puerto Rico les rindió un homenaje y los nombró en su Resolución «Embajadores de Nuestra Música». Pero la actividad cumbre de pueblo se celebró en el estadio Hiram Bithorn ante más de 30 mil fanáticos que disfrutaron la historia musical de nuestros «Mulatos del Sabor», en unión de Andy Montañez, Gilberto Santa Rosa, Jerry Rivera, Alex D’Castro, Johnny Ventura y La Sonora Ponceña. Dos meses más tarde se le rindió otro homenaje organizado por sus esposas en la sede del Centro de Convenciones del gobierno de Puerto Rico. Entre tantos premios y distinciones, sus integrantes consideran que el mejor de todos ha sido el respeto, respaldo y el aplauso de su público.

En 2002 la agrupación salsera celebró sus 40 años de fundación con dos conciertos masivos en el Coliseo Rubén Rodríguez de Bayamón. La producción dio paso al lanzamiento de un disco compacto que se distinguió como uno de los más sobresalientes del año, según la Fundación Nacional para la Cultura Popular.

Un año más tarde, la Academia de las Artes y Ciencias de la Grabación en los Estados Unidos reconoció la producción otorgándole un premio Grammy en la categoría de disco tropical.

Hoy dia, esta veterana institución de la Salsa nos brinda 47 años de buena música con una intachable carrera de respeto y seriedad en lo que mejor saben hacer, llevarle al pueblo la alegría a través de su música.

En la actualidad El Gran Combo de Puerto Rico está compuesto por Rafael Ithier (director musical, piano), Charlie Aponte, Jerry Rivas y Papo Rosario (cantantes); Taty Maldonado (trompeta); Víctor Rodríguez y Moisés Nogueras (trombón); Freddie Miranda (saxofón), Eddie Pérez (saxofón alto); Freddie Riavera (bajo); Miguel Torres (congas); Domingo Santos (timbales) y Richie Bastar (bongó).

Celia Cruz

Reconoció su pasión desde muy chica, alentada desde siempre por su madre. Se hizo famosa en el mundo por estar en las orquestas más prestigiosas de la salsa. También actuó en cine. Pero lo más destacado de su carrera fue que hizo llegar su vibrante voz a todos los rincones del planeta, contagiando su alegría de vivir que la mantuvo con fuerza hasta su último día.

¡Azúcar!
Celia Caridad Cruz Alfonso nació en el barrio de Santos Suárez, La Habana, el 21 de octubre de 1930. Sus padres fueron Simón Cruz, fogonero de los ferrocarriles, y Catalina Alfonso, ama de casa. Tuvo tres hermanos -Dolores, Gladys y Barbarito-.

Desde un primer momento quien la apoyó en su pasión por el canto fue su madre, que también tenía una voz espléndida, ya que su padre quería que fuese maestra. Comenzó a estudiar magisterio, pero cuando estaba a punto de terminar la carrera la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música.

Mientras tanto, Celia Cruz cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La Corte Suprema del Aire.

Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México. En 1950 ya había intervenido en varias emisoras cuando pasó a integrar el elenco del cabaret Tropicana, donde la descubrió el director de la Sonora Matancera, el guitarrista Rogelio Martínez, y la contrató para reemplazar a Mirta Silva, la solista oficial de la orquesta.

A lo largo de los años cincuenta Celia Cruz y la Sonora Matancera brillaron en la Cuba de Pío Leyva, Tito Gómez y Barbarito Díez; del irrepetible Benny Moré, del dúo Los Compadres, con Compay Primo (Lorenzo Hierrezuelo) y Compay Segundo… La Cuba de Chico O’Farril y su Sun sun babae, la de La conga de los Habana Cuban Boys, la de Miguel Matamoros con su Mamá, yo quiero saber de dónde son los cantantes, la de Miguelito Valdés con su Babalú… Celia aportó su Cao Cao Maní Picao y se convirtió en un éxito, y otro posterior, Burundanga, la llevó a Nueva York en abril de 1957 para recoger su primer disco de oro.

Era la Cuba corrupta y bullanguera de Fulgencio Batista. Cuando el dictador se vio obligado a refugiarse en la República Dominicana ante el triunfo de los castristas, el 1 de enero de 1959, la orquesta tuvo que andar otros caminos. Según la cantante, desde entonces soportaba mal que le dijeran qué y dónde tenía que cantar. El 15 de julio de 1960 la banda en pleno consiguió el permiso para presentarse en México y, una vez allí, en parte impulsada por el agravamiento de las relaciones entre Estados Unidos y Cuba, decidió no regresar.

Después de un año de aplausos en la capital azteca, Celia Cruz se mudaba a Estados Unidos y sellaba su primer compromiso para actuar en el Palladium de Hollywood. Si bien declaró en aquellos días «he abandonado todo lo que más quería porque intuí enseguida que Fidel Castro quería implantar una dictadura comunista», su furibunda militancia anticastrista nació después, a partir del 7 de abril de 1962, cuando supo de la muerte de su madre y no pudo entrar en la isla para asistir al entierro. Llegó a confesar incluso que estaba dispuesta a inmolarse haciendo estallar una bomba si con ello hacía desaparecer «al Comandante».

Tres meses después, el 14 de julio de 1962, Celia Cruz se casó con el primer trompetista de la orquesta, Pedro Knight, quien a partir de 1965, en que ambos dejaron la Sonora, se convirtió en su representante. Celia Cruz inició su trayectoria como solista junto al percusionista Tito Puente, con el que grabó ocho álbumes. Los jóvenes hispanos de Nueva York la descubrieron en 1973 en el Carnegie Hall, cuando integraba el elenco de la «salsópera» Hommy, de Larry Harlow.

Posteriormente, participó en un legendario concierto grabado en vivo en el Yanquee Stadium con The Fania All-Stars, un conjunto integrado por líderes de grupos latinos que grababan para el sello Fania. Ya era famosa en 1974, cuando grabó el disco Celia & Johnny con el flautista dominicano Johnny Pacheco, considerado el primer clásico del género.

Desde entonces, el éxito fue una constante en centenares de conciertos coreados por un público entregado al grito de su Bemba colorá. Esa voz electrizante, su alegría contagiosa y el llamativo vestuario fueron pronto una bandera de identidad de los inmigrantes. Ella, a su vez, terminó por asumir el rol de estandarte del anticastrismo.

«¡Azúcar!» era su potente grito infeccioso, la contraseña de apertura y cierre de sus conciertos y la clave para hacerse entender en todo el mundo. Difícilmente alguien ha bailado más -y ha hecho bailar más- que esta cubana de sonrisa contagiosa y persistente que conquistó adeptos de todas las latitudes a lo largo de más de cincuenta años de exitosa trayectoria. Cantante de guarachas, danzones, sones y rumbas en sus comienzos, Celia Cruz siempre estuvo abierta a nuevas experiencias que la llevaron a abordar otros ritmos y a unirse a proyectos en principio arriesgados para una artista consagrada.

Así se erigió en la imagen distintiva de la salsa con orquestas como las de Tito Puente, Willie Colón, Ray Barretto o Johnny Pacheco, y así llegó a cantar incluso rock o tango, y a unir su poderosa voz a la de intérpretes tan dispares como el británico David Byrne, el rumbero gitano Azuquita, el grupo argentino Los Fabulosos Cadillacs, los españoles Jarabe de Palo y el rapero haitiano Wyclef Jean, además de improvisar duetos con sus amigas Lola Flores y Gloria Estefan, y con Dionne Warwick o Patti Labelle.

Celia ganó un Grammy al mejor álbum de salsa por «La negra tiene tumbao», y en el verano de 2002 celebró su 40º aniversario de matrimonio. A fines de ese año se sometió, en los Estados Unidos, a la extirpación de un tumor cerebral. Su última aparición ante el público fue cuando la comunidad latina le hizo un homenaje en el teatro Jackie Gleason de Miami. Al año siguiente, entre febrero y marzo, grabó un último disco que no llegó a ver editado, «Te entrego el alma».

Finalmente se fue el 16 de julio de 2003, y miles de compatriotas la despidieron en Miami y Nueva York, donde recibió sepultura.

Durante su larga trayectoria, Celia Cruz ha grabado 76 álbumes en compañía de los salseros más reconocidos a nivel mundial. Además, ha recibido más de cien premios, entre los cuales se puede mencionar: un doctorado honorario en la Universidad de Yale, una estrella en Hollywood Boulevard y un reconocimiento de Nacional Endowment for the Arts.

Celia fué, y sigue siendo para mí, la Reyna de la Salsa, La Guarachera del mundo.

Frankie Ruiz

José Antonio Torresola Ruiz (Frankie Ruiz) nace en Paterson, Nueva Jersey en Estados Unidos, un 10 de marzo de 1958. Esta estrella de la salsa siempre será recordada por su desenfrenado estilo de vida que lo llevó a su propia destrucción, con su tremenda voz de tenor y sus vigorosas actuaciones.

Desde su niñez empieza a cantar salsa, destacando por un talento precoz que le ayuda a entrar en relación con músicos profesionales. Empieza cantando a los 7 años y con 13 años ya graba su primer disco en 1971 al lado de Charlie López y la Orquesta Nueva. En 1974, Frankie Ruiz se traslada a Puerto Rico con su madre y se instala en Mayagüez donde va a cantar con los grupos La Dictadora y La Moderna Vibración. Es en Puerto Rico donde Frankie Ruiz consolida su carrera musical integrando en 1977 la orquesta La Solución donde se convierte en cantante co-líder con tan solo 19 años. Con esta orquesta graba dos discos. El primero es Frankie ruiz y La Solución en 1979 y, que posteriormente es reeditado 1996 con el titulo Salsa Buena. El segundo disco es Orquesta Solución, todo un éxito en el que destacan temas como, La Vecina y La Rueda. Tres años más tarde entra a formar parte, como cantante, de la prestigiosa orquesta de Tommy Olivencia. En ella graba la canción Viajera que forma parte del disco Primer Concierto de la Familia TH, editado en 1983. En 1984 edita el disco Celebrando Otro Aniversario, del que destaca la canción Lo Dudo. Este disco está considerado como un disco de los mejores de la salsa romantica, cuyas palabras de amor y esa voz tan suave con un timbre tan particular, van a convertir a Frankie Ruiz, el cariñoso, en uno de los cantantes más queridos.

En 1985 se vuelve solista y graba su primer disco Solista Pero No Solo este disco acaba en los mejores lugares de los hits puertorriqueños y latinoamericanos con varias canciones y gana el titulo del mejor disco en los Latin Music Awards de Billboard en 1986 y es uno de los discos latinos mas vendidos en los años 80. En 1987 confirma su ascenso, en el disco Voy Pa Encima lleno de éxitos se venden 300,000 ejemplares en los Estados Unidos y Puerto Rico, hasta cruzar el Atlántico para sonar en España con el mundialmente conocido Desnúdate Mujer es la hora de la consagración y la revista americana Billboard lo elige artista de año 1987 en la categoría Tropical/Salsa.

Todo un sueño pero siempre en los sueños hay pesadillas y para Frankie Ruiz fue su adicción a las drogas y al alcohol. Desde su juventud esta combinación de drogas y alcohol le queman el organismo y el hígado. Los problemas judiciales se añaden a sus problemas físicos cuando Frankie Ruiz es arrestado por posesión de «crack «en junio de 1988, y lo envían 14 meses a la cárcel.

A pesar de estar en prisión se venden 200,000 de su disco En Vivo y a Todo Color. Luego Mas Grande Que Nunca, apareció en 1989, llega a los niveles mas altos de las ventas .y los éxitos comerciales y artístico siguen: apenas herido por su vida caótica Frankie ruiz en 1993 saluda a su isla y a quedado grabada para siempre en los corazones de todos los puertorriqueños. En 1992 sale a la calle el disco Mi Libertad y en 1993 Puerto Rico Soy Tuyo. En 1995 sale a la venta Mirándote y el magnifico Tranquilo le sucede en 1996 y le ofrecen un premio en los Latin Music Awards de Billboard de 1997.

Su ultima aparición fue en un concierto en el Madison Square Garden el 11 de julio de 1998. El 9 de agosto de 1998 a la edad de 40 años acabado por las drogas y el alcohol sucumbe por la la cirrosis y muere en un hospital de Nueva Jersey antes de la media noche rodeados de sus hijos, su padre y hermanos y fue enterrado en Paterson, Nueva Jersey junto a su hermano que murió en 1995.

En definitiva uno de los más grandes interpretes de la salsa de todos los tiempos.

Oscar de Leon

Corría 1943, y mientras en el Viejo Continente los cañones alemanes hacían recordar que la Segunda Guerra estaba en pleno… en el barrio de Antímano de Caracas, en Venezuela venía al mundo UN SONERO. Era exactamente el 11 de Julio cuando la familia León Simosa recibió en su seno a Oscar Emilio. Su madre, Carmen Dionisia Simoza, una bella mulata dedicada al hogar, amante de la música, el baile y el canto. Su padre, Justo León, un gallardo venezolano, albañil de profesión. Cuentan que aquel día en la populosa parroquia Caraqueña de Antímano, todo fue alegría, como un presagio de la misión de vida que aquel niño que nacía traía a este Mundo. Una familia de clase media que se quedó con él como hijo único y muy consentido en la medida de sus escuetas posibilidades. Sin embargo, fue criado con férrea disciplina por su madre, quien le dio el toque matriarcal al hogar.

Desde muy pequeño se interesó por la música caribeña y le gustaba interpretar orquestas como la Sonora Matancera, el Trio Matamoros entre otras. Incursionó en varias agrupaciones músicales hasta que un día tuvo la oportunidad de hacer un reemplazo de un cantante como voz principal de una banda.
n 1972 Oscar D’León decide concretar su proyecto de la Dimensión Latina junto con José Rodríguez el percusionista, César Monge, Enrique Iriarte y José Antonio Rojas. El 1973 Oscar D’León graba su primer disco de larga duración y tiene su primer éxito, el tema «Pensando en ti», y gracias a esto son contratados para participar en las fiestas del carnaval de Maracaibo.

Posteriormente en el año de 1974, a la orquesta se une el Bolerista Wladimir Lozano y Oscar D’León sigue acumulando muchos éxitos logrando reconocimientos en el género de la música del Caribe. SU primer éxito fué LLoraras y luego le siguen otros éxitos como «La Vela», «Divina Niña», «Taboga», «Juancito Trucupey», «El frutero», «Parampampam» y «Dolor cobarde».

D’León empezó a trabajar con la trompeta líder de La Crítica, actuando como coartista y director musical en su primer LP “Oscar D’León presenta … La Crítica” (1978) y participó como vocalista líder en cuatro de los cinco álbumes subsecuentes /1978 – 1985). Teo Hernández fue el vocalista principal de los álbumes de La Crítica entre 1978 y 1980.

La nueva Banda de D’León tenía tres trompetas (incluyendo a Pinto) y dos trombones (incluyendo a Culebra) y como vocalista a Edgar “EL Abuelo” Rodríguez. Algunos de sus LPs fueron “¡EL Mas Grande”!, “Llegó… Actuo… Y… ¡Triunfó..!” (1979), grabado en Nueva York, “Al Frente de Todos” (1980), el álbum en vivo: “Dos Colosos En Concierto”, resultado de la unión entre D’León y Dimensión Latina en el Estadio Poliedro en Caracas (11 de noviembre de 1980), “A mí me gusta así” (1981). Grabado en Puerto Rico con una trompeta adicional, un trombón y un saxofón inigualable.

En 1979 promueve junto con el pianista “Culebra” Iriarte la reagrupación de la desaparecida Orquesta “Renovación”, conformando “Oscar D´León y su Orquesta”, guiándola nuevamente a la gloria. Condujo brevemente la banda “Constelación” en 1979.

En la década de los ‘80 comenzó de lleno su internacionalización. La BBC de Londres lo invitó para realizar un especial cuya difusión lo dio a conocer en el continente europeo.
En 1983 triunfa en el Festival de Varadero, Cuba; para aquel entonces Oscar D´León ya se ha consagrado como uno de los artistas con mayor proyección musical en el mundo.

En la década de los noventa su carrera musical fue ampliamente reconocida, recibiendo numerosos discos de oro, premiaciones e invitaciones honoríficas para participar en homenajes como “The Mambo King: 100th LP” (1.991) con el tema «Hay Que Trabajar»; “La Combinación Perfecta” (1993) con “Llego El Sabor” (Oscar D’Leon Y Jose Alberto) y “El Son De Celia Y Oscar” (Celia Cruz y Oscar D’León), donde logró hacer realidad uno de sus sueños: Cantar junto con la «Guarachera de Cuba».

En 1996 presenta el albúm “El Rey de los Soneros” producido por el cubano-americano Willie Chirino, nominado para el Grammy de 1997. En 1999 realizó “La Fórmula Original”.

D’León empezó a trabajar con la trompeta líder de La Crítica, actuando como coartista y director musical en su primer LP “Oscar D’León presenta … La Crítica” (1978) y participó como vocalista líder en cuatro de los cinco álbumes subsecuentes /1978 – 1985). Teo Hernández fue el vocalista principal de los álbumes de La Crítica entre 1978 y 1980.

La nueva Banda de D’León tenía tres trompetas (incluyendo a Pinto) y dos trombones (incluyendo a Culebra) y como vocalista a Edgar “EL Abuelo” Rodríguez. Algunos de sus LPs fueron “¡EL Mas Grande”!, “Llegó… Actuo… Y… ¡Triunfó..!” (1979), grabado en Nueva York, “Al Frente de Todos” (1980), el álbum en vivo: “Dos Colosos En Concierto”, resultado de la unión entre D’León y Dimensión Latina en el Estadio Poliedro en Caracas (11 de noviembre de 1980), “A mí me gusta así” (1981). Grabado en Puerto Rico con una trompeta adicional, un trombón y un saxofón inigualable.

En 1979 promueve junto con el pianista “Culebra” Iriarte la reagrupación de la desaparecida Orquesta “Renovación”, conformando “Oscar D´León y su Orquesta”, guiándola nuevamente a la gloria. Condujo brevemente la banda “Constelación” en 1979.

En la década de los ‘80 comenzó de lleno su internacionalización. La BBC de Londres lo invitó para realizar un especial cuya difusión lo dio a conocer en el continente europeo.

En 1983 triunfa en el Festival de Varadero, Cuba; para aquel entonces Oscar D´León ya se ha consagrado como uno de los artistas con mayor proyección musical en el mundo.

En 1996 presenta el albúm “El Rey de los Soneros” producido por el cubano-americano Willie Chirino, nominado para el Grammy de 1997. En 1999 realizó “La Fórmula Original”.

También participó en el homenaje en vida realizado al maestro Luís María Frómeta (Billo) en Venezuela, donde “desplegó su potencial para la interpretación de Guarachas, a través de un apoteósico concierto y la grabación de un disco”.

En el año 2000, crea su propio sello Discográfico llamado “Bazz Records”, siendo «Doble Play» su primer lanzamiento, en el que se reúne nuevamente con Wladimir Lozano, su compañero en «La Dimensión Latina» y «La Salsa Mayor».

Hoy en día Nueva York y Cuba hacen parte de un basto listado de países y ciudades donde el León ha hipnotizado al público: Tokio, Hiroshima, Bélgica, Alemania, Suiza, España, Suecia, Francia, Australia, el Este Europeo, Turquía, Finlandia, Islas Canarias, Dinamarca, Inglaterra, Canadá, Estados Unidos y toda Latinoamérica.

D´León, también ha triunfado entre el público jazzista, pues su brillante y peculiar interpretación del bajo, lo han llevado a participar anualmente en los más importantes festivales de jazz de Nueva York, Canadá y Europa.

De Strefano (Boletín de noticias de Descarga, ‘ 94) dice que D´León supera y transforma sus influencias (música clásica cubana de los ’40s y ’50s y tardía de los ‘ 60s/, al igual que la Salsa neoyorquina temprana de los años 70) a través de una fuerza propia donde se conjugan su sonerismo y la personalidad arrolladora.

Aparte de ser uno de los principales soneros en la actualidad, Oscar D’León es un formidable «showman» que da una energía tremenda a sus espectaculos con el baile con el cual anima cada una de sus presentaciones.

El 15 de marzo de 1998 la ciudad de Nueva York lo homenajeó nombrando esa fecha como el Día de Oscar D’León.

En el año 2000 participó en la banda sonora de la producción de Disney, «Las Locuras del Emperador» grabando el tema «Mundo perfecto».

Ismael Miranda

Ismael Miranda, nació en Aguada, Puerto Rico. Mostrando desde pequeño interés por la música, a los 11 años formó parte de grupos de vocalización llamados «The 4 J’s» y «Little Jr. and the Class Mates». Participó con ellos en varias actividades, incluyendo una de las primeras ediciones del espectáculo que celebraba Jerry Lewis para la Distrofia Muscular en Palm Gardens.

En su continuo interés por la música, sobre todo el género afroantillano, formó parte del Sexteto Pipo y su Combo y del grupo Andy Harlow y su Sexteto. En el mismo cantó y tocó conga. En 1967 hizo su primera grabación discográfica con Joey Pastrana titulada «Let’s Ball». En ésta el entonces adolescente Ismael se anotó su primer éxito radial con «Rumbón melón».

Con la buena impresión que causó sus actuaciones con Andy Harlow, el hermano de éste, Larry, decidió reclutarlo para su orquesta. Ismael Miranda inició su ciclo de grabaciones con el llamado «Judío Maravilloso» en el álbum «El Exigente». Convencido del potencial del joven cantante, en 1968 Larry lanzó una nueva producción titulada «Orquesta Harlow presenta a Ismael Miranda». Y a renglón seguido, los aciertos se repitieron disco tras disco con las grabaciones «Electric Harlow», «Tribute to Arsenio Rodríguez», «Harlow’s Harem», «Abran paso» y «Oportunidad».

Con Larry Harlow Ismael incursionó también en el campo de la composición, compartiendo créditos con éste en los temas «La revolución», «Guasasa», «Arsenio», «El malecón» y «Lamento cubano», entre otros.

A la edad de 19 años se integra a las Estrellas de Fania convirtiéndose en el cantante más joven que componía este grupo, ganándose el mote de «El Niño Bonito de la Salsa». En pleno auge de la salsa, Ismael irrumpió con fuerza espectacular en las ondas en 1973 al lanzar al mercado la producción «Así se compone un son». Este disco, editado por el sello Fania, marcó el inicio del cantante con su propia agrupación, la Orquesta Revelación. Con ellos tomó por asalto la cuenca del Caribe, los mercados latinos de los Estados Unidos y Europa. Posteriormente su carrera le dio innumerables aciertos en la música. Temas como «La cama vacía», «La copa rota», «Borinquen tiene montuno», «Como mi pueblo» y «Las cuarentas» le ganaron amplia difusión radial. En la composición también se anotó éxitos como «Señor sereno», «Abran paso», «Así se compone un son», «Lupe, Lupe» y «Pa’ bravo yo», esta última popularizada por el sonero cubano Justo Betancourt.

En 1988 anunció su intención de retirarse de los medios artísticos. Pero esa idea nunca llegó a cristalizarse.

Entrados los años 90, Ismael ha grabado con su propio sello discográfico, IM Records, y con la compañía RMM. Y en las postrimerías de la década su unión a Andy Montañes en un proyecto discográfico de boleros del ayer.